Pierre et Gilles, couple et duo d’artistes depuis 35 ans, ont commencé à travailler pour la presse avant d’investir les musées et les galeries du monde entier. Leur travail reconnaissable entre tous est centré sur le portrait : anonymes ou personnalités les plus diverses du monde des arts, du spectacle ou de la mode. Leur oeuvre est caractérisée par le motif de l’icône et autres emprunts à l’art sacré, le foisonnement d’objets, le goût du détail, les arrière-plans flous, une lumière très soignée, un penchant pour le kitsch, le baroque, l’univers maritime, les couleurs, qu’elles soient vives ou pastels. N’ayant que faire des limites du « bon goût », ils cultivent celui du décalage, de l’humour, du paradoxe et des contrastes.

Dans ce nouvel ouvrage Derrière l´objectif de Pierre et Gilles (Éditions Hoëbeke), à paraitre le 17 avril, les deux photographes nous font entrer dans leur univers atypique et retracent leur parcours en commentant une centaine de photographies. Ils retracent les étapes de la création en révélant leurs secrets de fabrication, les prises de vue toujours en argentique, les retouches au pinceau, les décors sur mesure, le contexte et l’intention d’une prise de vue, leurs nombreuses références, éclairant ainsi leur travail d’un jour nouveau, offrant des oeuvres aux frontières de l’imagerie populaire et des Beaux Arts, réinventant perpétuellement l’art du portrait.

Surnommé « l’enfant terrible de la mode » dès ses premiers 
défilés dans les années 1970, Jean Paul Gaultier est incon
testablement l’un des créateurs les plus importants de ces 
dernières décennies. La Planète mode de Jean Paul Gaultier. 
De la rue aux étoiles est la première rétrospective consacrée 
au couturier qui a signé sa première collection de prêt-à-
porter en 1976, puis fondé sa maison de haute couture
 en 1997. Elle célèbrera l’audace et le raffinement d’une
 mode avant-gardiste et multiculturelle, qui efface 
les frontières et revendique le droit à la différence.

Initiée, produite et mise en circulation par le Musée des 
beaux-arts de Montréal à l’occasion des 35 ans de mode 
de Jean Paul Gaultier, cette exposition majeure bénéficie 
de la collaboration de la maison Jean Paul Gaultier, Paris. 
Elle explorera les liens privilégiés de ce créateur décomplexé 
et généreux avec la danse (Maurice Béjart, Régine Chopinot, 
Angelin Preljocaj…), la scène musicale pop/rock (Madonna, 
Kylie Minogue, Lady Gaga…), le cinéma (Peter Greenaway, 
Luc Besson, Pedro Almodovar,…) et la télévision (Eurotrash, 
une émission qu’il a co-animée sur la BBC entre 1993-1997), 
ainsi qu’avec de nombreux photographes.

L’exposition mettra en lumière les multiples sources d’inspi
ration aussi éclectiques qu’impertinentes de Jean Paul Gaultier 
à travers une sélection d’environ 120 pièces de haute couture 
et quelques-unes de prêt-à-porter (femme et homme) 
réalisées entre 1976 et 2011, des dessins dont des croquis 
pour des costumes de scène et de cinéma, et de nombreux 
extraits audiovisuels (cinéma, défilés, concerts, ballets, 
spectacles,…). La rétrospective accordera aussi une place 
importante à la photographie contemporaine, de mode et 
artistique, avec des tirages originaux, et même inédits, 
réalisés par des artistes de renom tels qu’Andy Warhol, Cindy 
Sherman, Mario Testino, David LaChapelle ou encore Pierre et Gilles qui exposeront La Vierge aux serpents, 2008 avec Kylie Minogue comme modèle.

Une scénographie sophistiquée et particulièrement novatrice 
reflètera l’immense culture visuelle et la curiosité sans limite 
de Jean Paul Gaultier, son énergie et son sens de l’humour. 
Des innovations techniques seront mises en œuvre pour créer 
une animation audiovisuelle de certains mannequins. Une 
bande sonore composée par un producteur de musique et 
illustrateur sonore accompagnera également le parcours.

Les Mannequins aux visages animés

Au cours de l’exposition, les visiteurs pourront croiser quelques 
mannequins dont les visages sont animés par la vidéo.
 Des présences surprenantes toutes habillées de Gaultier,
 qui soliloquent, observent silencieusement, ou même parfois
 chantent… Cette technique très particulière de projection vidéo
sur un visage en trois dimensions entremêle un savoir-faire 
technologique mais aussi artisanal, celui de la projection sur
le masque. En effet, sur la tête moulée de l’acteur, est projetée sa propre image vidéo : c’est l’image d’un visage qui retrouve 
sa forme… Ce travail sur le personnage vidéo a été développé 
depuis plus d’une quinzaine d’années par Denis Marleau avec 
UBU, sa compagnie de théâtre à Montréal. Il est en outre 
le concepteur du spectacle "Les Aveugles", qui tourne dans 
le monde depuis 2002, sans acteurs vivants sur scène mais
 avec les douze masques vidéographiques de deux acteurs 
dupliqués. C’est par cette création marquante, puis une seconde
fois avec Une fête pour Boris en 2010, que Jean Paul Gaultier
a rencontré au Festival d’Avignon le travail du metteur en scène 
québécois. Pour l’exposition consacrée à Jean Paul Gaultier, 
initiée et produite par le Musée des beaux-arts de Montréal, 
à la demande de Nathalie Bondil, sa directrice, Denis Marleau 
a conçu en tandem avec Stéphanie Jasmin et entourés de leur
 équipe, des mannequins dont la présence vivante tour à tour 
décalée, poétique ou joyeuse se rapproche de l’esprit de l’art
de l’installation, avec la participation de plusieurs interprètes
 dont notamment Ève Salvail, Francisco Randès, Melissa Auf
der Maur, Suzie Leblanc, Virginie Coosa, apportant ainsi un peu 
de leur recherche artistique en connivence et au service 
de l’univers fascinant de Jean Paul Gaultier et du monde muséal.

L’exposition vous propose de plonger dans l´univers des écrivains, en coulisses autant que sur la scène publique. Un parcours chronologique et des espaces thématiques permettent de vivre différentes ambiances, différentes temporalités suggérant les moments-clés qui ont fait de l´écrivain ce personnage central de notre civilisation.

Ces espaces questionnent également l´interaction entre les écrivains et l´espace public. De Voltaire à aujourd´hui, ils sont en prise avec les enjeux majeurs de leur société : guerres, bouleversements des arts et des médias, puissances politiques, prix d´écritures ... l´écrivain n´en devient-il pas objet commercial?
Enfin, la question du contemporain est soulevée. L’affirmation du sens moderne d’« écrivain » a été favorisée par l’essor de l’imprimerie et la création d´institutions, mais aujourd´hui les sites et les blogs ne sont-ils pas en passe de transformer radicalement ses modes d´action ?

Se côtoieront des œuvres importantes qui ont marqué le temps de certains grands auteurs célèbres (Voltaire, Hugo, Sand, Sartre, Duras ou Céline), des vidéos d’archives, des objets symboliques ou incongrus associés aux écrivains, ou encore des photographies ou tableaux telle que Bloody Amélie de Pierre et Gilles représentant l´écrivain Amélie Nothomb.

Today, Paul Klee’s angels are amongst the artist’s best-loved works. Not only do they speak to art-lovers, they have also won great popularity as poetic counsellors. As winged hybrids, half human, half celestial messenger, they represent a transitional form between terrestrial and transcendental, other-worldly existence, which satisfies both modern scepticism and the need for spirituality. They are not perfect celestial beings, however, their beauty also has little flaws, they’re forgetful or ugly, anxious or prankish. In many cases they come close to devil figures, they are called Lucifer, Mephisto or «Chindlifresser» (Child-eater), such as the hand-painted photograph Le Diable by Pierre et Gilles, and originate in Christian ideas as well as mythology, literature and popular theatre.

Klee’s works are surrounded by angels from film, video art and photography by various artists from the 1910s to the present day – from the date of Klee’s earliest angels until today. In photographic and video art since the 1960s, we can observe a heightened interest in spiritual themes, irrational phenomena, miracles and transcendental manifestations. As in Klee’s work, here too the angel crosses boundaries between worlds, between reality and the metaphysical imagination, and as such never loses its currency. Freed from the representative duties of sacred art and classical iconography, the revival of this motif, solidly anchored in art history, has produced new outward forms of angels. In particular, the seemingly distinct boundary between heavenly and diabolical, between human and transcendental, between good and evil beings is erased. The angel becomes a metaphor for the ambiguity – or even the contradictoriness – of everything human.

The naked man is invisible. Does the male body have nothing to say to us? On the contrary.
This exhibition tells how man has been re-inventing himself since the last century - and how he faces his nakedness. With courage and doubts, with a joy in new ways of living. And how self-confident women artists have conquered a motif that was long forbidden to them.

For centuries, the naked man could only be depicted as a mythological hero or Christian martyr. Around 1900, the first major crisis of male identity changed the view of the male nude. For the artists of Modernism, the naked body, divested of every role, became a means of self-questioning and signifier of socio-political renewal. From this point on, the exhibition follows the naked man through the 20th and 21st century - through crises of identity and phases of selfconfidence, tracing attempts to deconstruct traditional images of masculinity and a search for alternatives, showing the engagement with weakness and vulnerability, illustrating the gaze of desire and the erotic pose.

As part of the museum’s 50th anniversary celebrations, OC Collects presents curated selections from more than a dozen of the most important private collections in our community. Since the museum’s founding in 1962, collectors in Orange County have been among the most supportive and adventurous champions of modern and contemporary art, although this is little known or acknowledged within the broader artworld. The exhibition will include major paintings, sculptures, photographs and videos ranging from classic modern works to emerging artists of the present moment.

OC Collects is organized by the Orange County Museum of Art and curated by Director Dennis Szakacs and Chief Curator Dan Cameron.

Pour « L’Histoire est à moi ! », Pierre et Gilles proposent une sélection d’œuvres plus particulièrement ancrées dans l’Histoire : Jeanne d´Arc y côtoie le Printemps arabe, référence au mouvement d’émancipation de 2011, ou encore Léonidas, roi de Sparte et glorieux vainqueur de la bataille des Thermopyles contre les Perses... Pierre et Gilles se présentent ici comme des artistes de la réconciliation avec l’Histoire, ils célèbrent dans une éblouissante conspiration la beauté d’une figure humaine maintenue souveraine, placée à distance calculée du réel, pour mieux faire valoir l’évocation mythologique. Tous les portraits de Pierre et Gilles, à dessein, renvoient au mythe, en ce qu’il démultiplie notre image terrestre : mythe du héros que la posture flatteuse soulève au-dessus du commun des mortels ; mythe de la déesse ou du dieu dotés par essence d’une aura surnaturelle ; mythe de la grandeur d’âme attendue des Saints et des martyrs de la foi.

Pierre et Gilles, l’air de rien, nous allègent du poids de l’Histoire, dans un projet de désaliénation globale et de libération du corps, en usant de la proximité comme d’un principe ami. L’atmosphère de réconciliation que mettent en scène leurs portraits produit systématiquement un effet de pacification, au moins, esthétique, au mieux, transhistorique et fédérateur : dans le temps qui toujours se perd nous trouvons notre place, notre figura, notre fierté. De quoi éteindre toute guerre au fond du moi et laisser libre cours à notre amour du monde, malgré tout.

La personnalité de Charlotte Rampling ne cesse d’être entourée de ce mystère que reflète l’étrangeté énigmatique de son regard. Après avoir marqué de son empreinte le cinéma, le théâtre, et la chanson, elle dévoile dans cette exposition sa relation originale avec l’univers de la photo.
L’exposition est conçue en trois chapitres : son propre travail centré sur sa vie intime, les photographies qu’elle a inspirées à de grands photographes (Cecil Beaton, Bettina Rheims, Helmut Newton, Alice Springs, Paolo Roversi, Peter Lindbergh, Pierre et Gilles, etc.) et une sélection d’autoportraits de photographes issus des collections de la Maison Européenne de la Photographie (Larry Clark, Ralph Gibson, Marie-Laure de Decker, Duane Michals, etc.).
Une musique originale faisant l’objet d’une installation sonore est spécialement conçue par Jean Michel Jarre pour l’exposition.

« L’Art d’aimer, de la séduction à la volupté » présente la naissance et l’évolution du sentiment amoureux à travers différents supports artistiques. Les expositions consacrées à l’amour sont rares et parcellaires. Souhaitant donner raison à Romain Gary qui écrit : « Aimer est une aventure sans carte et sans compas où seule la prudence égare », le projet rassemble, en un choix audacieux, peintures, dessins, illustrations, correspondances, photographies et vidéos.

Par leurs diverses interprétations d’un sentiment qui concerne tout un chacun, François Boucher, Gustave Courbet, Jean-Dominique Ingres, Henri Martin, Maurice Denis, Pablo Picasso, Marc Chagall, Georges Rouault, Léonard Foujita, Tamara de Lempicka, Jacques Henri Lartigue, Robert Doisneau, Man Ray, Michel Haas ou encore Pierre et Gilles… guident les amateurs à travers un parcours jalonné de projections, de sonorisations et segmenté en huit parties : L’amour et ses mythes (Orient et Occident) ; L’amour courtois (Dame, chevalier et troubadour) ; L’art de la galanterie (pastorales et secrets d’alcôve) ; L’amour au quotidien (vie à deux, petits arrangements et plaisirs) ; Absence et fatalité ; Le courrier du cœur (correspondance et presse populaire) ; Fantasmes sur grand écran ; De l’intimité des couples (photographies & vidéo).

Riche de 350 œuvres et documents, cette exposition bénéficie de prêts de nombreuses institutions : musées, bibliothèques et fondations françaises et suisses ainsi que de collectionneurs privés.

The first exhibition, “Face it!” is a selection from the comprehensive Absolut Art Collection, featuring works from 1986 to 2004. Works by Andy Warhol, Keith Haring, Damien Hirst, Ed Ruscha and several other international icons as well as Swedish artists like Linn Fernström, Dan Wolgers and Ola Billgren will be shown for the first time in Sweden.

Facebook 40 ans avant internet ? C’est ce qu’a inventé Gilles Blanchard, ensuite rejoint par Pierre Commoy, avec cette galerie de portraits incroyable, méthodiquement organisée et soigneusement conservée depuis plus de 40 ans. Les photomatons de Pierre et Gilles racontent l’époque glorieuse où une bande règne joyeusement sur Paris à la fin des années 70 et au début des années 80. Un monde disparu dont les acteurs sont devenus des stars internationales de la mode, de l’art ou de l’underground, de Kenzo au chausseur Christian Louboutin en passant par l’artiste Annette Messager ou encore la mythique Edwige. Gilles Blanchard a conservé sa collection en collant au fil du temps les photomatons (il dit « une » photomaton) sur des panneaux au format grand aigle : 15 panneaux d’amis, 12 panneaux uniquement constitués d’autoportraits et 12 panneaux d’inconnus. Cette histoire illustrée, il l’a faite revivre sur facebook en 2010, pour ses amis, en commentant une partie des photomatons. C’est là que Thomas Doustaly a décelé un livre en puissance et a proposé à Pierre et Gilles de l’éditer.

AUTOBIOGRAPHIE EN PHOTOMATONS est une histoire racontée à la première personne par Gilles Blanchard, sous forme d’images légendées, celle d’un adolescent timide du Havre « monté » à Paris, qui se fait une bande d’amis et qui, très vite, tombe amoureux de Pierre. On y croise tous ceux qui comptent dans le Paris des années 70 et 80. Le livre s’achève quand les « vieilles » cabines de photomatons disparaissent en même temps que Paris change et que Pierre et Gilles rencontrent
le succès. Cette autobiographie en images, qui constitue le coeur du livre, est précédée d’un long entretien avec Pierre et Gilles, et suivie d’une galerie de portraits des principaux acteurs du film de la vie du célèbre duo.

LES AUTEURS

PIERRE COMMOY est né à La Roche-sur-Yon en 1950, GILLES BLANCHARD au Havre en 1953. Ils se sont rencontrés en 1976. Ils forment depuis 1977 le duo Pierre et Gilles, célébré dans les musées et les collections du monde entier. Ils sont représentés par la galerie Jérôme de Noirmont, à Paris.
THOMAS DOUSTALY est l’éditeur de ce livre. Il est journaliste. Il a dirigé la rédaction du magazine Têtu de 1998 à 2008. Il est chargé de mission au Monde depuis 2011.
PAQUITA PAQUIN est journaliste de mode. Elle a notamment collaboré à Vogue, Libération et France Culture. Elle est l’auteur de 20 ans sans dormir (éditions Denoël, 2005). Elle écrit depuis 2009 pour le site d’information spécialisé PureTrend.com.

Signature prévue le vendredi 23 mars à 19h à la librairie Les mots à la bouche.

Contact Presse : Xavier Brunet / xavier.brunet154@gmail.com

Parution : 16 mars 2012

ISBN : 978-2-9539327-0-6

464 pages

Format : 20x25 cm

Prix : 69 € TTC